Cinéma des cinéastes

Greta, 40 ans, seule à Berlin avec son garçon de 12 ans, perd son emploi d’architecte. Entre pression du conformisme et esprit de contradiction, elle tente de toutes ses forces de ne pas se laisser intimider. La dérive d’une femme qui perd son emploi. Les conséquences qui s’enchaînent dans une logique implacable (petits boulots indignes, séances de coaching, distance des amis, désamour du fils). Elle est architecte, et c’est sa place qu’elle perd dans une société dont la devise semble être « Gagne ou disparais ». Où le bonheur du vivre ensemble est remplacé par celui de l’enfermement sécuritaire. Ça se passe dans le Berlin d’aujourd’hui, qui en fournit le décor parfait, mais c’est évidemment la planète entière qui est concernée par cette déshumanisation du monde. Pas de quoi se réjouir. Et pourtant si. Cette représentation radicale du cancer économique qui grignote les esprits jusqu’à la folie, nous captive par la grâce d’une mise en scène qui ne le cède en rien au misérabilisme, mais donne au contraire à son sujet l’élégance glacée de l’architecture contemporaine, minimaliste jusqu’à l’abstraction, dessinée jusqu’à l’épure. Il y a aussi de l’humour salvateur dans ce film, qui sait rendre jouissives les situations qu’il dénonce, grâce à de savoureuses performances d’acteurs placées en contrepoint de l’économie magnifique de l’interprète principale, contribuant ainsi à graver en nous avec efficace cette parabole somptueuse et sophistiquée. Philippe FERNANDEZ Cinéaste

Confrontés à la faillite de leur entreprise de lingerie, des salariés tentent de la reprendre sous forme de coopérative. Surgissent alors, entre soutiens-gorge et culottes, des questions fondamentales, économiques et sociales. Ils découvrent dans cette aventure collective une nouvelle liberté. La première image du film nous montre une main qui maintient une étoffe sous le pied presseur d’une machine à coudre. Tout est déjà là. Entre nos mains. Les mains de l’ouvrière et l’outil de travail, de production. Prendre en main son avenir. Créer une entreprise autogérée. Une économie qui ne serait plus au service du capital mais de l’humain. Mise en parallèle avec le processus de création cinématographique. On tourne, on coupe, on monte. Le fil à coudre et la pellicule. Les ouvrières confectionnent de la lingerie fine. Ouvrage collectif qui touche à l’intime. Le film partage des émotions profondément humaines en suivant le cheminement intérieur des personnages avec leurs doutes, leurs craintes, leurs attentes. Mariana Otero est une cinéaste engagée mais elle n’essaye pas d’illustrer un slogan. Elle aime ceux qu’elle filme. Dans un pur moment de cinéma, la fin du film témoigne de la sincérité de la relation, de leur réelle complicité. Elle dévoile avec pudeur la beauté, la grandeur des gens ordinaires, de ceux que l’on ose encore nommer les « petites gens ». Laurent SALGUES Cinéaste

Franky, acteur de seconde zone est embarqué par son manager Arsène dans une voiture volée, pour rencontrer son réalisateur fétiche, au-dessus du cercle Polaire. Une odyssée mélancomique à travers l’Europe. Invoquer Robert Mitchum, cette icône du cinéma américain, est une prise derisque que les réalisateurs négocient avec une habileté jouissive. La rigueurde la mise en scène, des cadres, d’une lumière belle sans être esthétisante,permet à des acteurs complètement atypiques dans le paysage cinématographiquefrançais de déployer subtilement leur talent singulier. On pense àJarmush, dans sa première période, avec ici de la couleur.Il y a là autant de plaisir à partager que d’intelligence cinématographique.Un plaisir de voir Olivier Gourmet dans un rôle qui lui va comme un gant decuir, de découvrir Pablo Nicomedes en insomniaque manipulé par le désir foude son père spirituel, d’écouter l’impeccable Bakary Sangaré en musicienmonomaniaque. Un plaisir aussi de traverser ces paysages à la poursuited’un rêve de cinéma, cette illusion désirable, rendue d’autant plus actuelle etvivante avec les actions bourrées d’imagination de nos héros.Il faut s’engouffrer sans attendre dans ce road-movie aérien, parfois mystique,dans lequel deux précaires s’inventent un futur, et de la sorte seconstruisent un présent au gré de leurs improbables rencontres. Et lire danscette fable, contre toute monotonie, une résolution à vivre au coeur de ce quifait la vie quand elle s’invente. Stéphane ARNOUX et Marion LARYCinéastes

Paris-Téhéran. Une histoire d’amour entre deux déracinés - Gecko, jeune affranchi, et Anahita, iranienne exilée - contaminée par l’Histoire et sa médiatisation spontanée et inédite sur Internet. Paris-Tehran. Devant une caméra légère, une jeune iranienne, provisoirement réfugiée à Paris et un jeune parisien se découvrent. Il danse, partout dans la ville qui fait un terrain de jeu à son corps en liberté, et c’est d’abord cette liberté que la jeune femme apprend à aimer. Ils se rapprochent et peu à peu la caméra se resserre sur leurs sourires, à la découverte de Paris, ils se créent une intimité. Chacun de leur côté, ils s’intéressent à ce qui se passe en Iran : une révolte et la violence de la répression, visible sur Youtube. Les nouvelles arrivent, des téléphones portables aux écrans des ordinateurs de nos personnages, et le son des images iraniennes gagnent progressivement le film parisien, jusqu’à contaminer l’histoire d’amour naissante…. Après Redacted, Internet prend sa place dans les films de cinéma et en bouscule les formes. Des acteurs très justes pour une idée moderne, originale ; une caméra qui sait s’adapter à eux, donnant une impression de naturel, de vie comme elle vient. Et elle vient parfois douloureusement : les mouvements aériens de la danse contrastent avec le bougé des caméras dans la foule iranienne, et entre leurs deux corps qui s’accordent demeure un écart difficile à franchir. Comment s’engager, quitter le regard sur les images pour entrer dans la réalité ? Stéphane ARNOUX Cinéaste

Audrey a quitté Eric. Reste leur fils de cinq ans, Paul : Audrey le met chez sa mère, « en attendant ». Mais en attendant quoi ? De trouver un logement, un emploi, un compagnon stable ? Poursuite de Marina Déak est un film sur la résistance, résistance d’une femme qui refuse d’être à l’image de ce que la société attend d’elle, c’està- dire un bon petit soldat qui se sacrifie sur l’autel des enfants et de la famille. Et cette capacité d’indignation délicieusement provocatrice nous secoue à une période où il est de bon ton d’être dans le compromis. L’auteur-acteur, personnage principale, s’observe sans complaisance. Elle veut, elle désire, elle ne veut plus, elle ne désire plus, elle se traîne, elle rit mais elle s’entend rire. On aime son courage, sa rugosité, ses tiraillements à fleur de peau, ses non-choix parce que derrière tout cela il y a la pression de la cité, le flot des larmes retenues pour ne pas craquer et continuer la poursuite, poursuite au risque de se brûler. La caméra légère suit les mouvements de la vie sans s’épancher, le jeu acéré des comédiens, la précision et la férocité latente des dialogues nous donnent le vertige… Vertige de l’illusion… Vertige de l’amour… Vertige de toutes ces batailles menées par les femmes… Oui, Poursuite est un film pudique qui affronte la réalité avec une rare pugnacité et dont on ne sort pas indemne. Béatrice CHAMPANIER et Joël BRISSE Cinéastes

7 premiers films dans cette programmation cannoise dont certains en autoproduction. Comment se produisent ces 1ers films aujourd’hui ? Pourquoi le choix de l’autoproduction ? Comment/Pourquoi des cinéastes confirmés se tournent eux aussi vers des modes de production plus légers ? Et quelle diffusion ensuite pour ces œuvres ? Discussion avec des réalisateurs de la programmation ACID 2010, des producteurs et d’autres cinéastes.

La Dame au chien de Damien Manivel et French Roast de Fabrice O. Joubert

Rodolfo Costa était différent. Il ne voulait pas être forgeron comme tous les membres de sa famille. Il voulait être danseur. Dans le Paraguay des années 80, sous la dictature de Stroessner, son nom fut mis sur la liste de « 108 homosexuels », arrêtés et torturés. Comment le sort d’un homme peut-il refléter toute une société ? “Chez le forgeron, le couteau est en bois”, dit-on en espagnol. Dès son titre, ce passionnant voyage intime et politique nous plonge dans la métaphore. En retraçant l’histoire de son oncle, en se mettant en scène pour mieux interroger ses fantômes de famille, Renate Costa vient remuer le couteau dans les plaies anciennes de la dictature. Par la délicatesse de sa caméra, toujours inquisitrice, jamais envahissante, par la force et la dignité de ses personnages, par la présence fragile mais sereine de Renate Costa, ce film nous parle de toutes les dictatures passées et présentes et des courages et lâchetés qu’elles engendrent. Dans une scène éloquente, la réalisatrice, en tête-à-tête avec son père, se heurte à son tour au mur d’incompréhension qui avait marqué le destin de son oncle, le “couteau en bois” d’une famille de forgerons. Ce film nous pose sans ambages une question centrale : où regardons-nous quand c’est “l’autre”, le “différent”, qu’ils viennent chercher ? Sur fond de mélancolie, Cuchillo de palo suggère que les dictatures les plus implacables, les plus insidieuses, résident peut-être à l’intérieur de nousmêmes. Oriol CANALS Cinéaste

Pam a 20 ans. Sa bande de copines se retrouve toujours sur le canapé du Ranch, l’appart’ qu’elle partage avec Manon. Discuter, boire, fumer, danser : c’est de leur âge, mais arrive le moment où l’on a besoin de s’échapper du groupe pour tracer son chemin. La Vie au Ranch est une partition de musique, musique pour orchestre, dont la maîtrise nous oblige à écouter au-delà des quatre phrases du violon isolé au milieu de l’ensemble. C’est ainsi qu’il faudrait regarder ce film. C’est une invitation à se positionner en tant que spectateur, une invitation à regarder et écouter autrement : c’est un geste de cinéaste, qui n’a pas d’égal pour l’originalité de sa recherche. Le Ranch est un appartement parisien rempli par la cacophonie incessante d’une bande de copines de 20 ans. Première partie. Le trop plein acoustique semble quelque part cacher un vide identitaire : cette ouverture est tragique et monstrueuse. Deuxième partie : le Ranch déménage pour les vacances ; à la campagne les copines sont en apnée, plus un son, plus un mot : silenzio. On regarde sous verre le groupe se briser en morceaux. La partition se clôture par un aria, une voix seule comme le chant d’un oiseau dans une chambre d’étudiante à Berlin : c’est la découverte de soimême. Ainsi Sophie Letourneur atterrit sur une plage libre, où il n’y avait personne avant elle, son cinéma ne tient qu’à elle-même. Chiara MALTA Cinéaste Le film regarde longuement ce qui ne nous est pas demandé de regarder. Quelque chose, de votre regard, qui dérange l’ordre établi, fusse-t-il bourgeois. Il y a une fascination pour la durée laquelle démasque ce qui se joue derrière les apparences, derrière ce regard de surface. De ce point de vue, lorsque l’échappée belle du groupe survient, nous restons sans mot. La surface des visages s’assombrit. L’immobilité se dépose. Quelque chose d’irréversible pointe. Notre regard dérouté change de localisation et nous nous demandons ce qui va advenir de cette énergie bouleversante qui irradiait jusque-là. Luc VERDIER Cinéaste

Raed, réalisateur palestinien, a mal à la tête. Au sens propre comme au sens figuré. Il se rend dans un service de Santé Mentale à Ramallah… ENTÊTÉ Raed Andoni a quarante ans, tout comme l’occupation israélienne de la Cisjordanie, et souffre d’une migraine tenace. De cette céphalée invalidante, il a oeuvré à un film où l’intime entre en résonance avec le destin collectif de son peuple. Parcourant des paysages éventrés, Raed Andoni mène l’enquête, rassemble ses souvenirs manquants - interroge son thérapeute, ses amis, sa famille -, passe les check-points comme un ressassement. Fix ME traite de la perméabilité, de la porosité : il montre comment l’histoire des territoires occupés s’est insidieusement insinuée dans le corps du cinéaste. En usant de la juxtaposition, de l’opposition, de l’enlacement même de certains plans, le film interroge aussi avec finesse, toute la complexité d’une réalité historique. Par son rythme, sa densité, la beauté des cadres, la musicalité de la bande sonore, le cheminement de sa pensée, Fix ME agit comme un antidote à la guerre. Par son humour et son intelligence, il constitue un merveilleux et subtil bras d’honneur aux extrémistes des deux bords. Raphaël MATHIÉ et Aurélia GEORGES Cinéastes

Une enseignante noue une relation ambigüe avec un élève, une adolescente agnostique est « appelée » par Dieu, une photographe se donne à un inconnu : choisit-on d’aimer ? Choisit-on d’être aimé ? Ce film est un voyage, une invitation à regarder le territoire de l’autre. Chaque personne est un pays, une histoire exaltante et complexe. Le film explore ses personnages en les laissant révéler eux-mêmes la finesse de leur perception, leurs désirs contradictoires, leurs croyances, la chute de leurs repères. Tout les unit et tout les sépare. Ce qui semble les rapprocher, âges, famille, lieux, école, images, dessine leurs différences. Chacun existe en empruntant le chemin des autres. La relation trouble d’un professeur et son élève, la tentation sacrificielle d’une jeune fille pour sa soeur, le silence de la jeune femme photographe… les rapports de pouvoir se cachent sous la séduction, la séduction se cache sous les silences, le silence sous le ratage… La forme cinématographique de Donoma est enthousiasmante, inventive, maîtrisée. Remarquable aussi est sa tentation de regard global. Les personnages sont jeunes, mais déjà aux prises avec des problèmes d’adultes. Ils ne sont ni en guerre ni en paix. Ce jeune cinéaste inconnu déambule dans les destins de ses personnages et mine de rien, en toute liberté, pose les questions fondamentales à toute existence. Joël BRISSE, Cinéaste